Blog cultural del pianista Carlos Paredes Abad, de Trujillo, Perú. Cultural Blog from peruvian pianist Carlos Paredes Abad.
La música es vital para el desarrollo de la personalidad y del cerebro humano. Asimismo una adecuada Educación Musical interviene decididamente en el desarrollo del ser humano desde incluso la gestación pasando por la niñez, la juventud y la formación profesional.
Se ha comprobado científicamente que los profesionales que egresan de los claustros universitarios y que cultivan las artes como la música en su vida diaria, son personas más sensibles, más identificadas con la sociedad, con una sólida inteligencia emocional y más sabias al momento de tomar decisiones e involucrarse activamente con su entorno.
1. Final de la Obertura de la Opera Guillermo Tell- Gioacchino Rossini
Video con la Orquesta Filarmónica de Berlín dirigida por Herbert von Karajan (1983)
http://www.youtube.com/watch?v=JkymTHSbWe0&feature=related
Video con la Orquesta de la Scalla de Milano dirigida por Riccardo Mutti (2002)
http://www.dailymotion.com/relevance/search/rossini/video/xqtf4_rossini-ouverture-guillaume-tell_music
Giovacchino Antonio Rossini nació en Pesaro, Italia el 29 de febrero de 1972 y falleció en París el 13 de noviembre de 1868.
El drama suizo de Schiller constituye la base de esta última ópera del maestro Gioacchino Rossini, que había alcanzado una extraordinaria popularidad.
Rossini compuso una gran obertura, que se convirtió en una de las piezas de concierto más interpretadas de todas las épocas. Está articulada en varias partes y con su esquema lento-rápido-lento-rápido acentúa su relación con la forma antigua. En las partes lentas es de una belleza superior, la rápida marcha final es encantadora, pero ha caído un poco en lo insustancial, tal vez por haberse ejecutado demasiadas veces, aunque no pierde su efecto cuando se interpreta bien.
La "obertura de concierto" era una pieza independiente con forma sonata que ocupaba el primer movimiento de una sinfonía. La obertura teatral es la que ha sido aplicada con predilección en la música clásica, y es una pieza instrumental que antecede, como introducción, a una obra musical de grandes dimensiones, como la ópera.
2. Marcha Turca – Sonata para Piano en La Mayor – Wolfgang Amadeus Mozart
Mozart a los 6 años
Video de Aaron Kurtz en la Sala Cortot de París
http://www.youtube.com/watch?v=UGDHe14m8ew
Video de Yundi Li y Jay Chou (Variaciones a 4 manos)
http://www.dailymotion.com/relevance/search/mozart/video/x1h85m_yundi-li-mozart-marche-turque_dating
Aún no es sabido a ciencia cierta cuándo y dónde compuso Mozart la sonata en Viena o Salzburgo alrededor de 1783 se piensa actualmente como lo más probable, aunque París y fechas tan lejanas como 1778 también han sido sugeridas-.
El último movimiento, Rondó alla Turca (Marcha Turca) es frecuentemente escuchado por separado, y es uno de los más conocidos de todos los trabajos de Mozart. El mismo imita el sonido de las bandas turcas de Jenízaros, música que estaba muy de moda en ese entonces. Varias piezas musicales del momento imitaron esa música, incluida la ópera del mismo Mozart "El rapto en el Serrallo" - K. 384).La Sonata para piano no. 11 en La mayor, K. 331 de Wolfang Amadeus Mozart consta de tres movimientos:
Andante grazioso - un tema con seis varicaciones
Menuetto - un minuet y trío.
Rondo Alla Turca: Allegretto.
3. Tema de la Película: La lista de Schindler – John Williams
Video con Itzhak Perlman como solista
http://www.youtube.com/watch?v=1qLePhm-xGs
Video con Quinteto de Metales Gomalan (Roma)
http://www.dailymotion.com/relevance/search/schindler/video/x7a4xb_gomalan-brass-quintet-schindlers-li_music
John Towner Williams (Nueva York 1932) es el compositor más extensamente reconocido en música de películas de cine.
El violinista Itzhak Perlman (Israel 1945)es uno de los mejores y más famosos de la última mitad del siglo XX.
Esta película fue ganadora de siete Oscares de la Academia en 1993, basada en el libro El arca de Schindler escrito por Thomas Keneally, publicado en los EEUUcomo La lista de Schindler y posteriormente reeditado en los países de la Commonwealth bajo el mismo nombre.
La película, adaptada por Steven Zaillian y dirigida por Steven Spielberg relata la historia de Oscar Schindelr, un hombre de negocios católico alemán, que salvó la vida de más de un millar de judíos polacos durante el Holocausto. El título se refiere a la lista de los nombres de 1100 judíos a los que Schindler contrató para trabajar en su fábrica evitando que fuesen enviados a los campos de concentración.
4. Gloria a Egipto – Opera Aida – Giuseppe Verdi.
5. Marcha Triunfal – Opera Aida – Giuseppe Verdi
Video de Aida (Giuseppe Sinopoli desde Dresde-Alemania 2001)
http://www.youtube.com/watch?v=f3DYA1uhR8g
Video con Loorin Maazel dirigiendo desde la Scalla de Milán
http://www.youtube.com/watch?v=Yq_if8R5xZE
VIdeo satírico con el Quinteto de Metales Gomalan desde Roma
http://www.dailymotion.com/relevance/search/verdi+opera/video/x7a52c_gomalan-brass-quintet-aida-live-in_music
Sinopsis:
- Acto 1: Celeste Aida. Al comienzo del acto inicial, Radamés entona una romanza para proclamar su amor por Aida. Se trata de una página en cuyo recitativo "se quel guerrier io fossi" oímos al militar que espera ser designado caudillo de su pueblo en la guerra contra los etíopes. Luego se expresa el enamorado: la gloria que anhela le servirá para coronar a Aida y subirla a "un trono junto al sol". Con estas palabras termina el tenor una difícil aria, que lleva su voz en tres ocasiones al si bemol agudo. El hecho de que el último de éstos haya de cantarse pianíssimo y recién salido a escena con garganta fría, hace de esta romanza una de las más temidas por los tenores. De hecho, el famoso tenor francés Roberto Alagna fue abucheado en la Scala de Milán luego de su interpretación de esta célebre aria.
- Acto 1: Ritorna vincitor. Al final del cuadro primero del primer acto, Aida hace suyas las palabras con que los egipcios saludan a Radamés, recién nombrado general del ejército, deseándole la victoria. Ella también quiere el éxito de su amado y supone, al tiempo, la derrota de su padre Amonasro, rey de los etíopes. Amor y deber patrio luchan en el corazón generoso de la angustiada joven, que al final de la página ruega compasión a los dioses ("numi, pieta")
- Acto 2: "Nel rivederla, il dubbio atroce in me si desta". En el cuadro primero del segundo acto, se producte el enfrentamiento entre Aida y Amneris: la princesa egipcia interroga con astucia a la esclava que, involuntariamente, descubre su amor por Radamés. Amneris se revela como su rival y la obliga a acompañarla a la celebración del triunfo. El contraste entre las tesituras de las dos voces (soprano y mezzosoprano), la sutilezas de la orquestación y el empleo de los temas musicales asociados a los dos personajes son elementos manejados por Verdiide modo admirable.
- Acto 2: "Gloria all'egitto". Escena de enorme espectacularidad que sirve de justificación a colosales montajes. El coro inicial (gloria all'egitto) fue adoptado por el jedive que encargó la ópera a Verdi como himno nacional.
- Acto 3: "O patria mia". La inspiración de Verdi y su talento como orquestador y dramaturgo alcanzan en el acto tercero un punto culminante. Casi todo el acto está dominado por Aida, casi omnipresente, lo que plantea a su intérprete un arduo problema: dos espléndidos y largos dúos - con su padre primero y con Radamès después- someten a durísima prueba su capacidad musical y su preparación técnica. Pero además, previamente aún ha de enfrentarse este personaje a una romanza que no figuraba en el estreno de El Cairo y que Verdi escribió para la soprano Teresa Stolz: "O patria mia", en la que la joven recuerda su tierra natal, que nunca volverá a ver.
- Acto 4: En el último acto, destaca la gran escena de Amneris, sola primero y con Radamés luego, cuyo amor trata de alcanzar en vano: el joven, traidor involuntario a su patria y sin posibilidad de recuperar a Aida sólo desea morir. Sigue el juicio y condena de Radamés, que provocan la ira de Amneris, que llama a los sacerdotes de Isis "tigres sedientos de sangre" Aida se cierra en un preciosos adiós a la vida: Radamès, enterrado vivo, descubre en la tumba a su amada y ambos unen sus voces en el célebre "O terra, addio".
6. Can-Can – Opera Orfeo en los Infiernos – Jacques Offenbach
Video Orquesta de Vllanderen dirige Emerich Smola
http://www.youtube.com/watch?v=g0WRJES4cyw&feature=PlayList&p=3580912D8F0BEBFB&playnext=1&playnext_from=PL&index=7
Video con Músicos de Louvre dirigidos por Mark Minkovski y Soprano Anne Sophie von Otter
http://www.dailymotion.com/relevance/search/offenbach/video/x53pje_orphee-aux-enfers-offenbach_music
Sinopsis:
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Orfeo va hasta hasta lo más profundo del Ades en busca de su amada Eurídice.
Orfeo en los Infiernos es una aventura conversacional de amor mitológico que te espera para ser resuelta.
Eurídice ha muerto, Orfeo llora su ausencia... es tal su desesperación que el dios del Olimpo, Zeus, asombrado por el amor verdadero de Orfeo, le da la oportunidad de rescatar a Eurídice del mundo de los muertos.
Para ello, Orfeo deberá adentrarse en el Tártaro y traer de vuelta a su amada, desde las fauces del reino de Hades.
El Arte del canto. ¿Qué es cantar?
El canto es una forma de utilizar la voz humana que exige un funcionamiento especial de los órganos de la formación, en relación, por otra parte, con la sensibilidad auditiva. Así, pues, se aprende a "cantar" imponiéndose una gimnasia vocal particular, controlando los músculos que intervienen en la producción de los sonidos, la respiración, etc. Ese aprendizaje puede hacerse espontáneamente, por imitación, en un medio social determinado (como es el caso del canto "popular" o "folklórico" y, de una manera más general, el de la etnomúsica vocal), o por una especie de adiestramiento, acústico o tónico, en una escuela de canto, según convenciones muy definidas, y diferentes según los lugares y las épocas.
Coro
En canto , se denomina coro, coral o agrupación vocal a un conjunto de personas que interpretan una pieza de música vocal de manera coordinada. Es el medio interpretativo colectivo de las obras cantadas o que requieren la intervención de la
Características
El coro es un instrumento colectivo, dirigido por un director cuando el número de integrantes es tan elevado que se hace necesario una persona que unifique los criterios interpretativos.
Esta reunión de personas pueden cantar a una (obra monódica) o varias voces (obra polifónica). Es el instrumento armónico por excelencia, con una extensión o tesitura de unas cuatro octavas.
Clasificación de las VocesVoces femeninas desde la más alta a la más baja:
Soprano:
Es la voz femenina que se utiliza para los personajes más importantes del repertorio, para las heroínas trágicas o míticas, pero también para las doncellas y para damas ingeniosas o divertidas.Mezzosoprano:
Con una voz más profunda y cálida que la de las sopranos, la mezzosoprano actúa habitualmente como un personaje secundario, por ejemplo, una mujer madura, una niñera, una bruja o incluso un chico joven. En resumen, podría decirse que suele incorporar personajes “malos, muy malos y malísimos”. A veces el papel de una soprano lo canta una mezzosoprano según las necesidades dramáticas de la obra.Contralto:
Una voz oscura, noble y patética, poco habitual en ópera. Se la asocia con personajes de mujeres mayores, sirvientas, madres, abuelas y brujas.
Voces masculinas desde la más alta a la más baja :
Contratenor
(soprano masculino o alto, dependiendo del tono):
Voz masculina que utiliza la técnica del falsete. El contratenor alcanzó su gloria durante el renacimiento y el barroco, después desapareció casi totalmente hasta que las obras de ese periodo fueron redescubiertas en la segunda mitad del siglo XX. No debe confundirse con “haute contre” que es un tenor que alcanza notas muy altas.Tenor:
La voz de hombre que alcanza el tono más alto y la más popular en ópera. Los papeles de tenor son los equivalentes a los de soprano: el héroe, el amante y, a veces, el enemigo.Barítono:
Voz medio grave que se asocia con una gran variedad de personajes en el siglo XVIII y más concretamente en los papeles de enemigo en el siglo XIX.Bajo:
La voz más noble, el bajo está asociado frecuentemente a los personajes de hombres sabios, mayores y, a veces, a personajes cómicos.
7. Marcha de los toreadores-Opera Carmen- Georges Bizet
Dmitri Hvorotovsky en el Royal Albert Hall de Londres
http://www.youtube.com/watch?v=OqEn57tVA1s&feature=related
Alexander Vinogradov como Escarnillo en abril del 2008 en el Bolshoi de Moscú
http://www.dailymotion.com/relevance/search/toreador+song+/video/x8hjnx_toreador-song-from-carmen_music
La orquesta sinfónica u orquesta filarmónica es una agrupación o conjunto musical de gran tamaño que cuenta con instrumentos de todas las familias (viento madera, viento metal, percusión y cuerda). Una orquesta sinfónica o filarmónica tiene generalmente más de ochenta músicos en su lista, sólo en algunos casos llega a tener más de cien, pero el número de músicos empleados en una interpretación particular puede variar según la obra que va a ser tocada, y el tamaño del lugar en donde ocurrirá la presentación
Instrumentos de una orquesta sinfónicaDirector de orquesta
El director de la orquesta es la pieza clave y fundamental de la orquesta sinfónica, e incluso de la formación musical. Es una persona que no sólo mantiene el tempo de la pieza y da las entradas de los instrumentos para que la interpretación sea coherente, sino que debe interpretar la partitura según el concepto “global”, manteniéndose fiel al espíritu original de la obra pero dando una visión personal. Para conseguirlo, debe conocer en profundidad la vida y obra de los compositores.
El director de orquesta posee una vara o batuta, un instrumento corto y delgado con el que los directores marcan el compás, señalan los movimientos y la entrada de ciertos instrumentos mediante gestos. Antiguamente, la batuta era más voluminosa de lo que es ahora.
Algunos directores de orquesta famosos son: Herbert von Karajan, Leonard Bersnstein, Arturo Toscanini, Wilhelm Furtwängler, Claudio Abbado, Daniel Barenboim, Pierre Boulez, Zubin Mehta, Georg Solti, Gustavo Dudamel, Leopold Stokovsky.
Grandes orquestas: Orquesta Filarmónica de Viena, Orquesta Filarmónica de Berlín, Orquesta Real del Concertgebow, Orquesta Filarmónica de Nueva York, Orquesta Sinfónica de Boston, Orquesta Sinfónica de Chicago.
8. Vals de las Flores-Suite Cascanueces-P.I.Tchaikovsky
Orquesta Filarmónica de Berlín
Versión del Ballet Casse¡-Noisette de Montecarlo
El Vals de las Flores es uno de los más famosos valses en todo el mundo del ballet, es parte del Ballet-Suite "Cascanueces". El arpa, con su primera entrada, hace una prolongada reverencia preliminar y las trompas comienzan la danza.
Es una danza que evoca al contacto con la naturaleza, los arroyos fluyendo (los violines), los pajaritos (las flautas), el viento (los metales), los animales (el clarinete), el tintineo de las estrellas (el triángulo), las ramas de los árboles agitándose (las violas
El final es como un remolino, el vals es tocado cada vez más rápido. luego se vuelve a aligerar, las trompetas suenan a la par con los violines, en un orden desordenado llega el final.9.Danza Húngara N°5 – J.Brahms
Roby Lakatos (violinista ) con variaciones gitanas
http://www.youtube.com/watch?v=2QmB60LglP4
Yehudi Menuhin (violín) y Adolph Baller (piano)
La orquesta sinfónica típica consta de cuatro grupos proporcionales de instrumentos musicales similares, por lo general aparecen en las partituras en el siguiente orden (con sus respectivas proporciones indicadas):
Viento madera: 1 flautín, 2 flautas, 2 oboes, corno inglés, 2 clarinetes, 1 clarinete bajo, 2 fagots y 1 contra fagot.
Viento metal: de 2 a 5 trompetas, de 2 a 6 trompas o corno francés, de 2 a 3 trombones tenores, de 1 a 2 trombones bajos y 1 tuba.
Percusión: timbales, redoblante, bombo, platillos, xilófono, triángulo, vibráfono, celesta, etc.
Cuerdas: arpa, de 16 a 30 violines o más, de 8 a 12 violas o más, de 8 a 12 violoncellos o más y de 5 a 8 contrabajos o más.
Cada sección de la orquesta tiene una colocación determinada, que ha venido siendo normalizada por la potencia sonora de los instrumentos. Así, los instrumentos de cuerda se sitúan al frente, de más agudo a más grave, detrás se colocan los instrumentos de viento, primero madera y luego metal, y al final se colocan los instrumentos de percusión y el piano.
De estos instrumentos, los hay que son el corazón de la orquesta, y prácticamente nunca se renuncia a ellos, y otros que son auxiliares y no siempre aparecen en la orquesta, pese a ser parte del modelo estándar. Como ejemplo, los violines son prácticamente imprescindibles pero el piano no siempre se encuentra.
10.El Vuelo del moscardón-Opera El Zar Saltán – Nicolás Rimsky Korsakov
Zubin Mehta con la Filarmónica de Berlín
http://www.youtube.com/watch?v=y41DykcpgRghud
Maksim (videoclip)
11. Canon en Re Mayor-Johan Pachelbel
Voices of Music (con instrumentos originales de la época)
http://www.youtube.com/watch?v=JvNQLJ1_HQ0
Variaciones en version Rock en Guitarra Eléctrica
El Barroco MusicalEl barroco comienza aproximadamente en 1600, cuando nace la ópera, y finaliza en 1750, fecha en la que muere J.S. Bach, el último barroco y uno de los compositores más importantes de todos los tiempos
Características del Barroco Musical
-Expresividad: el siglo XVII es un periodo de crisis (política, económica, social, moral),por ello el arte se vuelve intensamente dramático, busca expresar fuertes sentimientos y profundas pasiones, mediante nuevas técnicas, especialmente el contraste.
-Ornamentación: es una música muy ornamentada, son melodías muy adornadas y recargadas. Pero no sólo la música, también las otras artes como la arquitectura. Fíjate en la fachada de este edificio y entenderás a lo que nos referimos. Es la fachada del Obradoiro de la catedral de Santiago de Compostela.
-Contraste: Los compositores reflejan el gusto de la época mediante el contraste. Es el principal recurso para alcanzar fuerza expresivaMatiz: utilizan cambios bruscos de fuerte a suave (F / P).
Tempo: alternan tiempos lentos y rápidos, especialmente en las obras que tienen varios movimientos como el concierto o la suite
Timbre: también oponen distintas familias instrumentales entre sí. Es habitual que se alterne un solista con el resto de la orquesta, o un pequeño grupo frente a toda la orquesta. O como dicen los simpáticos italianos: Solos y Tuttis. Este recurso se llama estilo concertado
Textura: la textura típica es la melodía acompañada, destacando las voces extremas. La más aguda es la melodía, la auténtica protagonista y donde se concentra toda la expresividad. La voz más grave es el bajo, es tan importante que acompaña siempre a la melodía, por eso se llama bajo continuo, que es el soporte armónico, y las voces intermedias son el relleno armónico, que junto con la melodía completan la textura típica del Barroco. El bajo continuo lo realizan instrumentos graves. Suele participar el violonchelo, el contrabajo, la viola de gamba, y el clavecín (instrumento de tecla típico del Barroco, y antecedente del piano) que completa la textura con acordes improvisados.
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